Los mejores 50 discos de 2015

Naturalmente, hacer una lista con los mejores discos del año es una labor con la que nunca nos sentiremos completamente satisfechos, ya que incluir toda la música increíble que llegó a nuestras vidas en los últimos 12 meses es prácticamente imposible. Sin embargo, aquí estamos una vez más para presentarles nuestros 50 discos favoritos del 2015 y como seguramente ustedes también tendrán sus preferidos, los invitamos a que compartan con nosotros su listado a través de @FILTERMexico y /FILTERMexico.

Para no extendernos tanto, solamente hagan scroll, disfruten y si no conocen alguno de los discos que les presentamos, escuchen.

50. Laura Marling – Short Movie

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Con cada disco Laura Marling tiende a mejorar de forma notable sus habilidades como compositora, cosa que se vio inmensamente reflejada en este colorido y pasional álbum titulado Short Movie. Desde un inicio el álbum fue mostrando un perfil estético bastante interesante con el que se podía apreciar sin complicaciones su delicadeza y lo redondo que sería su contenido. Cada una de las canciones termina siendo un mundo con el que cada uno de nuestros álter egos se puede sentir identificado.

49. Django Django – Born Under Saturn


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Las canciones de Django Django pueden pasar de divertidas a medio clavadas, pero esta vez se lucieron manteniendo lo alegre y divertido durante trece canciones, algunas un poco pegajosas. Respetaron su sonido del Waveforms sin sonar monótonos y arruinarlo todo. Se saltaron un poco esa fase que ahora vive la corriente inglesa de sonar a Suede, aunque tenga uno que otro toque. Dénle play y disfrútenlos, habrá canciones en las que se descubrirán moviendo el pie y hasta escribiendo al ritmo de Django Django.

48. Jim O’Rourke – Simple Songs

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Jim O’Rourke no debería de necesitar de mayor presentación, pero a veces la apatía de las personas hace que las impresionantes habilidades que tiene como compositor pasen un poco desapercibidas. Los que saben, estarán de acuerdo en que Simple Songs no es un álbum cualquiera o un recorrido que se sumerge únicamente en la vena del folk después de haber estado haciendo piezas un poco más experimentales, sino que es todo un ejercicio con el cual crea un momento de intimidad con el escucha.

¿Qué más? Bueno, pues es su primer álbum desde que lanzó The Visitor a finales de la década pasada y, si necesitan unas referencias más contundentes del por qué es tan relevante un álbum de Jim O’Rourke, sólo tengan en cuenta que en el pasado ha estado involucrado con Sonic Youth y Wilco. Partiendo de ahí, es como deben de prepararse mentalmente para escuchar esta exquisitez.

47. Deafheaven – New Bermuda

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Es 2015 y un nuevo álbum de Deafheaven era más que obligatorio después de los dos años que han pasado desde el lanzamiento de su impecable Sunbather. Puede que aún exista una enorme cantidad de personas que no terminan de creerle todo a la banda, pero al final están dejando muy en claro que se pueden hacer cosas increíbles con tomar pequeños ingredientes de géneros como el black metal, shoegaze y el post-rock. En New Bermuda la banda expone un perfil mucho más contundente y devastador, lo cual le viene de maravilla a la personalidad que han ido construyendo desde su concepción.

El disco cuenta con la fuerza suficiente para incitarnos a imaginar y dibujar imágenes mentales en las que podamos ir descifrando cada uno de los misterios que suelen rodear a una banda como Deafheaven. Nunca lo sabremos todo y la incertidumbre que provoca eso va alimentando la catarsis de canciones como “Come Back”.

46. Lower Dens – Escape From Evil

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Lower Dens estaban cansados de seguir haciendo discos tristes e impulsados por su deseo de vivir en la oscuridad. Se asquearon, no querían seguir dando vueltas en círculos sin dirigirse a un lugar en realidad. De ahí nace Escape From Evil  y es real, en esta delicada y hermosa colección de canciones van escapando de sus demonios para dirigirse a terrenos más iluminados, los cuales obviamente les están beneficiando al recibir una mayor atención gracias a la cautivante presencia de Jana Hunter.

45. Arca – Mutant

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Arca es uno de los productores más ambiciosos y versátiles que existen en la actualidad. Independientemente de que su nombre haya llegado a todos lados por haber contribuido en la producción del Vulnicura de Björk, el venezolano tiene la capacidad de crear escapes sonoros que van cobrando formas muy extrañas para proyectar una imagen bastante ácida del futuro.

El haber trabajado de nueva cuenta con Jesse Kanda, hizo que los personajes que se fueron desarrollando con Xen se hicieran aún más fuertes en Mutant para demoler todo lo que está a su alcance. Hay sonidos cristalinos en “Vanity” y secuencias electrónicas que se apegan más a la podrida esencia del noise y la música ambiental.

Mutant es una muestra más de que Arca es un visionario que no se debe de tomar a la ligera.

44. Future – Dirty Sprite 2

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Aunque a veces el hip-hop parece ser un poco menospreciado en nuestro país, este año fuimos testigos de uno de los fenómenos más interesantes dentro del circuito de raperos emergentes que poco a poco han ido cambiando el pensamiento de las personas para que expanda sus horizontes musicales. Future es uno de ellos y aunque este año publicó una notable cantidad de lanzamientos, Dirty Sprite 2 fue el chingón.

Aunque trae una colaboración bastante padre con Drake, los mejores momentos del álbum son aquellos en donde Future tiene el privilegio de debrayar a su antojo entre rimas y una impecable producción como en “Thought It Was a Drought”, “Slave Master” y “Trap Niggas”.

43. Purity Ring – Begin Again


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Para los puristas, Purity Ring dejó su esencia, sin embargo lo único que hicieron fue acercarse un poquito a la luz. Las melodías del Another Eternity dejaron esa oscuridad que combinada con los beats exactos nos enamoró de ellos, pero con este nuevo material demuestran la versatilidad de sus ideas y de su nivel musical. Un disco mucho más pop que el primero y que mantiene el espíritu de Purity Ring. Cual sirena, la dulce voz de Megan nos hipnotizó.

42. Jenny Hval – Apocalypse, girl

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El feminismo, la sexualidad y las diferentes expresiones corporales que existen en nuestra sociedad para ejercer una opinión, se han ido deformando radicalmente para convertirse en una manifestación sin un argumento real. La batalla de sexos, la desigualdad, el racismo y los estigmas que siguen existiendo en torno al sexo, son cosas que deben de tratarse con mucha cautela para no ofrecer un discurso que terminé siendo un fiasco.

La noruega Jenny Hval es una compositora sumamente inteligente y aborda esos temas de un modo confrontador y muy bien estructurado. En sus canciones le da una patada en la entrepierna al feminismo, a nuestra sociedad y a ella misma. A lo largo deApocalypse, girl va creando conversaciones con su propia persona en las que se cuestiona la existencia de Dios, las sádicas experiencias que pueden vivirse en ciudades como Nueva York y los momentos de intimidad que tiene el ser humano con su su propio cuerpo.

El álbum está muy bien armado con aportaciones instrumentales de músicos de la talla de Thor Harris de Swans y Okkyung Lee.Apocalypse, girl es una belleza desde el ángulo en el que se le mire.

41. Kurt Vile – b’lieve i’m goin’ down

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Sí bien en Wakin On A Pretty Daze pudimos conocer el lado más íntimo y paternal de Kurt Vile, en este material nos abrió las puertas de su corazón para conocer a detalle lo que ocurre en su estudio cuando se mete a grabar una canción. b’lieve i’m goin’ down tiene la virtud de ser un disco compuesto de elementos clásicos y una guitarra acústica que por momentos emite las mismas vibraciones de una canción de Bob Dylan o hasta el mismo Bruce Springsteen.

Tal vez esas referencias pueden sonar un poco exageradas para muchos, pero la realidad es que Kurt Vile está puliendo muy bien la estructura general de sus canciones para aspirar a convertirse en una leyenda de nuestros días, principalmente por la calidad de sus letras.

40. Sleater-Kinney – No Cities To Love

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La nostalgia de las reuniones… Desde hace ya un buen tiempo se estaba rumorando que Sleater-Kinney se volverían a juntar, pero nunca hubo algo concreto por los proyectos que tenía Corin Tucker, así como lo que andaba haciendo Carrie Brownstein y Janet Weiss con Wild Flag. Este año finalmente regresaron con No Cities To Love y si estaban escépticos en cuanto a lo que podían logran con su regreso, sólo basta con checar los guitarrazos, los juegos vocales y su actitud patea traseros para darse cuenta que su existencia sigue siendo vital.

39. Joanna Newsom – Divers

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Escuchar un disco de Joanna Newsom siempre será como una experiencia religiosa. De verdad, cada que vuelve a aparecer con un álbum de la talla de Divers no se debe de tomar nada a la ligera, sobretodo cuando es una de las mujeres más talentosas de nuestra era.

En esta producción sus cuerdas vocales tienden a alcanzar la belleza y la plenitud que solíamos encontrar en los discos de Kate Bush, lo cual nos habla de su notable crecimiento artistico y de cómo sus cambios personales han tenido un impacto directo en sus composiciones.

38. Protomartyr – The Agent Intellect

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Si los ven en vivo, pueden pensar que eso es lo que pasaría si The Walkmen tuvieran una orientación más punk. Sin embargo, una vez que se le empieza a poner atención a lo que hacen, notarán que su estilo tiende a rendirle tributo a bandas de la talla de Pere Ubu, solo que con altas dosis de distorsión que hacen que las canciones vayan adquiriendo un mayor volumen dentro de su propio universo.

The Agent Intellect es un álbum directo y que no se anda con rodeos. “Why Does It Shake?” y “Dope Cloud” son tan solo algunos de los ejemplos que podemos darles para que contemplen el potencial que tiene Protomartyr.

37. Father John Misty – I Love You, Honeybear

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aiññ… qué bonita canción…‘ – Esa puede ser una de las impresiones que les pueda provocar este álbum de Father John Misty y está bien, se entiende, los arreglos en la música son simplemente hermosos, pero muy en el fondo existe un lado oscuro e irónico que no tiene nada qué ver con la belleza o el romance.

Quién sabe, tal vez las ironías que utiliza son parte de su propia visión del amor, ya que las canciones tienen un enfoque más existencial y aborda temas muy opuestos en los que narra su experiencia durante una satánica noche de Navidad y escenarios un poco fetichistas. I Love You, Honeybear es la prueba de que estamos ante uno de los mejores compositores de nuestros días y… bueno, ¿Alguien sabe si Robin Pecknold ya se graduó? Porque su ex camarada le está comiendo el mandado.

36. The Soft Moon – Deeper

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Luis Vasquez siempre ha sido un hombre solitario que suele encontrar una sutil inspiración desde lo más profundo de su depresión. Los sentimientos impuros y la claustrofobia que se acumula en su corazón al estar completamente solo en su habitación, fue haciendo que su proyecto The Soft Moon se fuera convirtiendo en una imponente entidad goth que, después de tres álbumes de estudio, ya es todo un referente del circuito del post-punk de nuestros días.

En Deeper no sólo elimina el embrujo vocal de sus discos pasados para dejarla al descubierto (sí, es un gran vocalista), sino que también le inyectó un toque más industrial a las canciones para dibujar el retrato de lo que muchos quisieran que siguiera haciendo Trent Reznor. La influencia es notoria, pero The Soft Moon ya tiene su propia personalidad y con Deeper sólo viene a demostrar que su oscuridad no era algo pasajero, realmente llegó para quedarse.

35. Institute – Catharsis

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Institute está cumpliendo con su cometido y nos está dando grandes razones para justificar su puesto en Las Mejores Revelaciones de 2014. Sí, puede que la banda ya tenga un par de años más activa, pero recientemente se han ido ganando el respeto del circuito DIY del punk por mantenerse fieles al espíritu natural del género durante su concepción a inicios de los 80.

Lo que han estado haciendo bandas como Iceage y Holograms del otro lado del charo, de este lado Institute está haciendo lo propio con riffs un tanto simples pero bastante granosos y unos juegos vocales que van del alarde a lo desgarrador. Catharsis será una excelente carta de presentación para todo aquel que haya visto este puesto y diga ‘ah chinga ¿y esos qué?’.

34. Tamaryn – Cranekiss

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“Hands All Over Me” nos dejó completamente sorprendidos por el giro que decidió darle Tamaryn a su sonido, ya que en ella encontramos unos destellantes arreglos de sintetizador y un estilo vocal que parecía ser el resultado de una mancuerna entre Madonna y Kevin Shields, lo cual obviamente siempre será algo que recibiremos con los brazos abiertos.

Pero más allá de debrayar con referencias musicales, Cranekiss es un ejemplo del crecimiento y la reinvención por la que debe de pasar todo artista para fortalecer su personalidad y no morir en el intento. Con un enfoque más pop que refresca por completo la melancolía y los tonos envolventes de sus dos primeros álbumes, Cranekiss es uno de esos lanzamientos que serán descubiertos en 20 años para tener el mismo valor que el Heaven Or Las Vegas.

33. Thundercat – The Beyond / Where the Giants Roam

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Thundercat es el soundtrack perfecto para hacer bebés. Es seductor, romántico y sus canciones están repletas de pasión. No por algo se ha convertido en un cliente frecuente de Flying Lotus y de Kendrick Lamar para pulir el contenido de sus discos, así que de algún modo u otro The Beyond / Where The Giants Roam puede funcionar como una excelente carta de presentación de las maravillas que suele crear cuando se encuentra a solas jugando con el jazz y el R&B.

32. Action Bronson – Mr. Wonderful


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Imaginen que el disco se llama Mr. Wonderful y que todas las canciones son tan digeribles y divertidas que nunca te das cuenta cuándo pasaron las primeras cinco canciones. “Baby Blue” es de las más divertidas con maldiciones a.k.a “malos deseos” como “I hope the zipper on your jacket get stuck” y la mejor frase “I hope your tears don’t hurt, and I can smile in your face”. Mr. Wonderful es un disco muy para disfrutar a mediodía o cuando necesiten relajarse un rato…

31. Neon Indian – VEGA INTL. Night School

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Alan Palomo es un nostálgico de los 80 y le damos las gracias por eso, ya que su nuevo álbum como Neon Indian cuenta con los synths ideales para musicalizar alguna película de Back To The Future, solo que con una tendencia más violenta como la que nos mostró en el épico vídeo de “Slumlord Rising”.

VEGA INTL. Night School es como escuchar todo lo que ocurre al caer la noche en Nueva York. Ya saben, desde esas grandes avenidas repletas de anuncios luminosos, hasta aquellas discotecas donde se reúne la comunidad latina para pasar el rato. Neon Indian hizo una película que en lugar de apreciarse con la vista, sirve como un estímulo mental a través de los oídos.

30. Young Thug – Barter 6

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Actitud es algo que no le hace falta a Young Thug y menos cuando se rodea de sus más grandes camaradas como T.I y Duke, tal y como lo demostró en este asesino material que de principio a fin nos va recetando una serie de rimas bastante jefes. No traten de evitar Barter 6, ya que de todos modos los terminará alcanzando para someterlos y darles una buena clase de hip hop.

29. Oneohtrix Point Never – Garden Of Delete

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El futuro está aquí, Daniel Lopatin es un ejemplo de fortaleza y espíritu. Su afán por experimentar con las nuevas tecnologías y las herramientas análogas que estén a su alcance, lo han llevado a crear álbumes simplemente impecables con el alías de Oneohtrix Point Never, principalmente desde que dejó de estar haciendo cosas con Joel Ford en Games/Ford & Lopatin.

Garden Of Delete es el disco más cerdo, poderoso y despiadado que ha concebido hasta el momento. Además, no solo es el primer material en el que quiso incorporar un par de letras, sino que también cuenta con algunos colaboradores como Dominick Fernow en su masacrante “Stickly Drama”; canción que bien puede ser considerada como la mejor canción de nu metal que jamás fue concebida. En ella queda al descubierta la habilidad que tiene Lopatin para ir del R&B al noise y del synth-pop al metal.

Onoehtrix Point Never es increíble, punto.

28. Shamir – Ratchet


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Tiene 20 años y está siendo uno de los actos y discos más hypeados del año, no por eso está en ésta lista, pero queremos que se sorprendan tanto como nosotros por su edad y el logro en su vida. Tal vez en cinco años habrá sido parte de una lista más y ya, pero divertirte en el estudio y en el escenario simplemente debería ser un mérito real. Más si a la gente le gusta lo que estás haciendo y compra boletos para verte. Es un electro para bailar todo el tiempo, que aunque haya canciones medio calmadas tiene un beat que te es imposible de no querer seguir con el pie o con la cabeza. Y sí, todos dudamos si la voz que escuchábamos era de hombre o mujer. Síganle la pista.

27. A$AP Rocky – At. Long. Last. ASAP.


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Durante los dos últimos años, la carrera de A$AP Rocky ha logrado consolidarse y colocarse en los picos altos del hip hop. Luego de la muerte de Yams y compartir su nombre –Rakim– con uno de los mejores MCs, sintió cierta responsabilidad de entregarse por completo a su música y a la calidad de ésta. Y el resultado, sin duda, lo favoreció. Mos Def, Kanye West, M.I.A, Miguel, Schoolboy Q y Joe Fox son algunos de los personajes que colaboraron, teniendo como productor a Danger Mouse.

26. Ought – Sun Coming Down

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No es ninguna sorpresa que Ought porten la camiseta de Constellation Records, ya que su sonido tiene el volumen suficiente para compartir espacios con sus label mates, Godspeed You! Black Emperor. Las líneas de bajo podrán sonar un poco simples y las secciones rítmicas de Sun Coming Down pueden ser un poco lentas, pero eso es algo que la banda sabe explotar a la perfección para ir creando episodios muy diversos en cada una de sus canciones.

Tal vez al inicio sentirán que no hay un coro o algo que se quede grabado en la mente, pero en el momento que menos lo esperen se verán envueltos en un recital que puede considerarse como algo simplemente hermoso. Solo hay que repetir una y otra vez el ‘i’m not afraid to die‘ de “Beautiful Blue Sky”.

25. Hot Chip – Why Make Sense?

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Why Make Sense? tiene como propósito sacudir cualquier rastro de apatía que se haya hospedado en lo más profundo de tu ser. Encerrado dentro de un ambiente que recrea una fiesta interminable este disco no te da oportunidad a un descanso, pues incluso en los cortes más lentos los sintetizadores tienen el protagonismo necesario para inspirarte a mover cada molécula.

Sólo hace falta desconectarte del mundo, dejarte llevar por la voz de Alexis Taylor y sucumbirás ante cada arreglo y composición que forman este álbum.

24. Prurient – Frozen Niagara Falls

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Dominick Fernow es una bestia, es un loco y hemos estado llegando a la conclusión de que ni siquiera es un ser humano. Tiene como 5 proyectos activos en este momento y año con año saca una decena de lanzamientos que lo único que tienen en común, es su sed por continuar experimentando y provocando pesadillas en el pensamiento de las personas.

Prurient es su proyecto madre, su hijo principal y con él ya tiene una década y media construyendo su propio imperio de noise que, si bien en sus primeras grabaciones se mantenía fiel a las raíces del género por tratar sus sintetizadores como si fueran una máquina de carne podrida, este año regresó con una sólida combinación que retrata el antes y el después en la vida de Prurient.

Además, en Frozen Niagara Falls comenzó a incorporar elementos atípicos en su estructura como guitarras acústicas y percusiones que solamente potencializan la desesperación y el infierno industrializado que se vive en él. Prurient y todo lo que hace Fernow no tendrá la misma atención que un insípido disco de Mumford & Sons, pero esta es su obra maestra.

23. Tobias Jesso Jr – Goon


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Si tuviéramos que describir Goon sin tantos rodeos, sería: Música de piano bonita. Probablemente se lee un poco soso y sin sentido, pero cuando le den play lo descubrirán, aunque las letras son un poco tristes, las melodías te llevan por pasajes tan tranquilos y esperanzadores que sólo puedes sonreír y querer cantar todas las canciones.

22. Chelsea Wolfe – Abyss

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Poco antes de lanzar Pain is Beauty, Chelsea Wolfe mencionó que le gustaría incorporar elementos electrónicos en su sonido. En ese momento resultaba un tanto complicado el imaginar un sintetizador por encima de sus imponentes vocales y las embrujantes atmósferas que la han posicionado como la reina goth de nuestra era. Una vez que ese álbum llegó a nosotros, no quedó de otra más que sucumbir ante su capacidad de absorber por completo esos elementos para someterlos y crear un estruendo sonoro con volcánicos riffs de guitarra y una batería que suele ser golpeada con gran fuerza.

Abyss es la versión fortalecida de lo que escuchamos en Pain is Beauty. Puede sonar absurdo considerando que ese disco fue una genialidad, pero digamos que en Abyss tenemos acceso a una Chelsea Wolfe más establecida y consiente de lo que quiere lograr en el futuro. La increíble devastación de “Carrion Flowers” es algo que se repite constantemente en “Color Of Blood” y “Survive”, sin dejar de lado la acústica delicadeza que suele brindar momentos de pleno romance como “Crazy Love”.

Chelsea Wolfe está aquí para quedarse y a estas alturas del partido, su nombre ya es sinónimo de calidad.

21. Deerhunter – Fading Frontier

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Deerhunter volvió a hacer de las suyas con su séptimo álbum Fading Frontier, el cual resumió todos los sentimientos ocultos del conjunto estadounidense dando como resultado un verdadero viaje introspectivo que deja la emotividad a flor de piel.

Haciendo uso de composiciones sencillas pero realmente entrañables, Bradford Cox y compañía dejan ver su parte más sensible, sintetizada en una obra que de principio a fin te deja un gran sabor de boca, definitivamente una pieza que debes tener en tu reproductor de inmediato.

20. The Chemical Brothers – Born In The Echoes

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The Chemical Brothers volvió para demostrar por que son los jefes con Born In The Echoes. Desde el momento en el que comienza a sonar este álbum no puedes parar, es como si cada canción se te pegara al cuerpo y removiera cada célula que de una forma u otra te pondrán a bailar hasta que no puedas más.

Directo, contundente y lleno de buenos beats es como se resumiría su regreso, que a demás contó con grandes colaboradores que le dieron personalidad a cada una de los cortes, y aunque algunos tracks pueden sonar algo emotivos como con “Wide Open” en voz de Beck, la energía no desciende; por el contrario se llena de un ambiente que no te deja rendirte y provoca que irremediablemente repetitas el disco para que la experiencia nunca termine.

19. Courtney Barnett – Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit


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La formación musical de Courtney viene directamente del grunge y del garage, géneros que logró integrar, junto con un poco de pop, a su carta de presentación bajo un nombre que nos parece increíble: Sometimes I Sit and Think and Sometimes I Just Sit. Por momentos deja de cantar para hablar durante la canción y te hace sentir más en un performance. Es un disco con melodías bastante alegres y con fuerza.

18. Björk – Vulnicura

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Pueden decir mil cosas de Björk con tal de tirar odio, pero Vulnicura es una de las mejores cosas que ha entregado en muchos años. Con eso no queremos quitarle su propio mérito a Biophilia, pero en este álbum volvimos a ser testigos de la belleza que siempre ha nutrido sus canciones. Eso, de la mano de la producción de Arca y The Haxan Cloak, dio como resultado un ensamble pasional cantado desde lo más profundo de su corazón.

17. Empress Of – Me

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Tratar de darle un giro a la forma en la que está hecho el synth-pop es bastante complicado, principalmente porque en los 80 se pusieron las bases de todo lo que ahora escuchamos y bailamos en una pista de baile. Lorely Rodriguez lo sabe, pero eso no impidió que buscara las herramientas indicadas para diseñar su propia visión del synth-pop con Me.

¿Por qué? El álbum no solo está repleto de joyas como “Water Water” y “How Do You Do It”, sino que cuenta con un estilo muy peculiar que conforme pasen los meses se irá convirtiendo en algo exclusivo de Empress Of. Si este es apenas su primer disco, no podemos esperar más para escuchar lo que estará haciendo en el futuro.

16. Beach House – Depression Cherry

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La voz de Victoria LeGrand dejó una enorme marca en nuestros corazones desde la década pasada y con Depression Cherry, es inevitable no decir que Beach House finalmente le pusieron un color a la depresión; un sentimiento que puede causar muchos conflictos vitales para todo ser humano, pero que muy en su interior esconde una cautivante dosis de belleza.

A Beach House se les puede criticar por hacer discos que suenan exactamente iguales, pero la realidad es que la dupla no puede sonar a otra cosa porque estarían perdiendo su esencia. Con Depression Cherry quedó demostrado que hacen álbumes diseñados para escucharse con el corazón. Tienen que vivirlos en lugar de analizarlos, de ese modo es como terminarán suspirando cuando menos se lo esperen con “Space Song”.

15. Panda Bear – Panda Bear Meets The Grim Reaper

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El cambio de mentalidad por el que pasó Noah Lennox después de convertirse en padre se ve reflejado en el nuevo álbum de Panda Bear. Es una producción más madura, mucho más colorida y que camina en una dirección en particular. Es difícil no sentir amor cuando se escucha la voz de Noah en medio de entrañables y divertidos sonidos como en “Come To Our Senses”.

Cuando un álbum está lleno de sentimiento y se puede sentir la honestidad con el que está hecho, no nos podemos hacer de la vista gorda cuando eso da como resultado algo como Panda Bear Meets The Grim Reaper.

14. George Fitzgerald – Fading Love

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Fading Love, es el primer álbum de larga duración de George Fitzgerald. Con ritmos que cambian constantemente, el disco muestra el lado más versatil de George, plasmando en diez pistas el lado melancólico y sensible de su personalidad.

Con una ternura agraciada en cada frase y un ambiente que permea y emana de cualidades al disco, Fading Love no es más que un logro en composición.

13. Holly Herndon – Platform

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Holly Herndon está demostrando que hacer música con una computadora es toda una ciencia y no sólo es hacer un corte aquí y otro corte por allá, pegarlo y subirlo a Soundcloud. Nah, todo tiene su chiste y además de utilizar sonidos que escuchamos de forma convencional al dar clic en Youtube o en una llamada de Skype para transformarlos en un imponente monstruo techno, en Platform se animó a utilizar más sus cuerdas vocales para dejar en evidencia la dulzura que se esconde en su interior para componer una maravilla llena de synth-pop.

Platform es un manifiesto digital donde se retrata el futuro de la humanidad y la relación personal que hemos desarrollado con la tecnología. El sentirse expuesto y lo vulnerable que estamos en el Internet, es abordado de forma romántica.

12. Sufjan Stevens – Carrie & Lowell

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Si quieren ver a Sufjan Stevens en vivo, de una vez les recomendamos que se vayan bien armados de pañuelos, ya que sus presentaciones están cargadas de emociones que los dejarán con los ojos empapados de lágrimas. Sí, ese efecto que pensaban que sólo se podía percibir en Carrie & Lowell, en directo tiene un poder que conmueve y inhibe toda la fortaleza que puedan tener en su interior. Y no es para menos, el disco está basado en sus padres y desde ahí, uno se puede imaginar el mar de nostalgia que tarde o temprano los terminará absorbiendo al sentirse identificado con uno de sus escenarios.

11. New Order – Music Complete

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Retomando lo mejor de su carrera, New Order regresó a poner orden. Music Complete es la prueba irrefutable de que el conjunto británico es dueño de las pistas de baile desde los 80’s. Esta pieza reúne el talento y la experiencia que años de trabajo le han dejado a esta banda.

Revivir el sonido de sus años de gloria, pero con un sentido fresco no es cosa fácil, y menos si hay millones de copy cats en el mercado. Sin embargo New Order lo logró, al entregar una producción que recupera lo mejor de su esencia, casi como un viaje en el tiempo que te encapsula en los mejores raves de La Hacienda. 

10. Julia Holter – Have You In My Wilderness

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Julia Holter crea historias en sus discos. Las canciones suelen unirse entre sí como lazos que nos presentan capítulos que bien podrían formar parte de una obra de teatro. Eso es algo que siempre ha estado presente en su estilo de composición, independientemente de que en cada uno de sus discos va dando pasos agigantados para aclarar y maximizar la parte instrumental de las mismas.

Have You In My Wilderness no solo es el disco que reúne las mejores canciones que ha concebido hasta el momento como “Betsy On The Roof”, “Feel You” y “Night Song”, sino que es uno de los discos más hermosos que han aparecido en las últimas dos décadas. Es fino, exquisito, seductor e íntimo, es una de esos objetos preciados que pueden adherirse a su ser de forma instantánea. Julia Holter realmente es algo especial y todo el mundo necesita tenerla en su vida, ya que ella no está cantando a través de un micrófono, no, lo está haciendo desde lo más profundo de su ser.

9. Health – Death Magic

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Aunque en su mayoría está repleto de joyas pop, hasta cierto punto se puede catalogar esta producción como un diabólico ejercicio de manipulación con el que HEALTH está tratando de llegar a un público que peca de ingenuo para sumergirlo en un reality check del que jamás podrán escapar gracias a las fenomenales percusiones que hay en las canciones.

Con Death Magic demuestran que el noise no está nada peleado con el pop y el choque entre ambos géneros puede dar como resultado cosas increíbles. Esta es la rebelión de algo que en la actualidad parece haber muerto y que en definitiva hace que su existencia sea necesaria para tener un estímulo mental y emocional con el que podamos reinventarnos para mandar todo al carajo.

8. Grimes – Art Angels

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Independientemente del notable cambio musical que existe en Art Angels, es muy importante hacer énfasis en el contenido de las letras, ya que en el álbum terminó fortaleciendo sus habilidades como productora y compositora. Las canciones podrán parecer declaraciones de amor y desamor como “Flesh Without Blood”, pero la realidad es que el mensaje no va dirigido a una persona en particular, sino al sector medios/managers/pseudo-fans que siguen ejerciendo un cierto sexismo en la música.

Grimes no es la misma chica que hace cuatro años se ponía el micrófono en el cuello, que erraba al momento de ejecutar una melodía y que mostraba una personalidad bastante tímida. Todo eso quedó atrás, ahora tiene la fuerza suficiente para convertirse en un nuevo modelo de lo que conocemos como una estrella pop.

7. Viet Cong – S/T

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La historia de Women tiene un giro sumamente trágico: uno de sus integrantes terminó quitándose la vida. Después de eso, la banda llegó a su inevitable final y justo cuando se pensaba que ya no escucharíamos algo más por parte de uno de sus integrantes, resulta que se volvieron a juntar para darle vida a esta arriesgada aventura llamada Viet Cong.

Independientemente de los problemas que les ha traído su nombre en puntos muy específicos del mundo, la música que hacen tiene una cavernosa estructura que crece y crece hasta convertirse en una volcánica explosión. Ahí está “Death” al final de su debut homónimo, una poderosa pieza de 11 minutos que no baja su intensidad en ningún momento. Incluso, podría pensarse que por su duración es algo un tanto difícil de digerir, pero la realidad es completamente opuesta.

No es por nada, pero este es uno de los mejores debuts que han aparecido en los últimos cinco años. Viet Cong es una experiencia.

6. Mark Ronson – Uptown Special

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Uptown Especial es un álbum en donde Ronson muestra el lado que más le agrada de su música, mezclando estilos  que seguramente escuchaba cuando era adolescente por aquella época noventera y mostrando giros conceptuales en su lirica.

Es cierto que Ronson realiza estilos musicales de época accesibles a las masas, pero al escuchar este disco te darán ganas de ir más allá, ya que puso tanto esfuerzo en la producción que logró pulirla y convertirla en uno de sus mejores discos.

5. Unknown Mortal Orchestra – Multi-Love

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Toda una generación que comenzó a hacer de las suyas a inicios de esta década esta en ese momento decisivo de su existencia. Por fortuna, Unknown Mortal Orchestra la está librando de un modo bastante interesante y que, francamente, no lo veíamos venir.

Disco tras disco la banda muestra una notable mejoría gracias a la madurez que han adquirido con el paso del tiempo y con las extensas giras en las que suelen involucrarse alrededor del mundo. Digamos que esos viajes los han nutrido y han hecho que su sonido se sienta mucho más completo y especial cuando se escuchan los huecos intencionales que le inyectan a sus melodías para darle un toque ‘retro’. Un poco de psicodelia, un poco de funk y mucha clase, esto es lo que trae el trío este año y obviamente no podía estar ausente de esta lista.

4. Drake – If You’re Reading This It’s Too Late


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La carrera de Drake ha navegado entre el hip hop y el R&B lo que le ha valido popularidad, además de la gente con la que se junta, sus influencias y que pues sí, el muchacho tiene talento. Con If You’re Reading This It’s Too Late, demuestra otra faceta de sus aptitudes en las rimas y una evolución dentro de la escena a la que pertenece aunque no lo parezca. Hay muy buenos sencillos entre las 17 canciones que un día inesperadamente lanzó vía Soundcloud y cada que le damos play encontramos otra.

3. Jamie xx – In Colour

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Ohhh Jamie… ¿Pensaban que su disco sonaría a The xx? Lol, pues no, aunque debemos admitir que por un momento pensamos lo mismo cuando vimos que Romy y Oliver estarían colaborando en In Colour. Sin embargo, el resultado va más allá de lo que ya les habíamos escuchado en el pasado, ya que de algún modo u otro el productor le regresa la finura que siempre debe de estar presente en la música electrónica. In Colour tiene clase, porte y los sampleos que utilizó embonan a la perfección con los ambientes que va generando conforme se va desarrollando el disco. Además, está repleto de himnos para el verano como “Loud Places” y “I Know There’s Gonna Be (Good Times)”.

2. Kendrick Lamar – To Pimp a Butterfly


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¿Cómo puedes hacer algo más bello de lo que ya es? La metáfora del título nos deja pensando en el tiempo que Kendrick estuvo puliendo este disco, mientras recibía todo el apoyo de Dr. Dre, quien se vuelve a llevar el título como uno de los mejores sinodales del hip hop. ConTo Pimp a Butterfly, Kendrick está logrando rescatar la negrura verdadera de esta gran escena que no siempre está a nuestro alcance. Por otro lado, al no preocuparse en crear canciones con el objetivo de vender e interesarse por sonar auténtico y que el contenido de sus canciones sea genuino, que después de todo es uno de los objetivos del hip hop.

Probablemente cueste un poco procesar To Pimp a Butterfly y no logremos una identificación lírica, pero lo tiene todo.

1. Tame Impala – Currents

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El inicio y, por supuesto, el final del 2015, se marcó por temas de Kevin Parker y compañía. Desde el primer momento que nos regaló el primer adelanto con “Let it Happen”, Tame Impala no dejó de sonar en ningún reproductor, haciendo de Currents uno de los discos más esperados del año.

Compuesto de trece temas que dejaban ver a un Parker más romántico e introspectivo, Currents deja en claro que no son una banda a la que se deba encasillar en un solo género, o dentro de un mismo concepto. Indudablemente esta producción despegará más allá del 2015, pues estamos seguros que Tame Impala aún tiene mucho jugo que sacarle.

 

 

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