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ENTREVISTA

Colin Stetson: la parte más oscura del saxofón

Por José Ignacio Hipólito

Desde hace más de dos décadas, Colin Stetson ha sido uno de los saxofonistas referentes en la música contemporánea. Su trabajo se puede escuchar en álbumes de artistas como The Chemical Brothers, David Gilmour, Tom Waits, Arcade Fire, Animal Collective y BadBadNotGood, por sólo mencionar un par. Además, su carrera lo ha llevado a  componer el soundtrack para películas de horror icónicas como Hereditary o The Menu.

Su particular estilo de tocar, ha roto los paradigmas de lo que se espera de un saxofonista y por eso se ha consolidado como uno de los artistas más emocionantes de escuchar. Cada canción es una sorpresa que puede oscilar entre lo más disonante y agresivo, hasta lo más tierno y suave.

A tan sólo un par de semanas de que se estrene su nuevo álbum, The love it took to leave you, platicamos con él acerca de su carrera, sus colaboraciones, las películas de terror, y el proceso de grabación de su nueva placa discográfica.

Filter: ¿Cuándo te diste cuenta que el saxofón bajo era el instrumento que querías explorar por más de dos décadas?

Colin Stetson: No es el único instrumento que toco, pero creo que el saxofón bajo es el instrumento por el que me conocen porque lo empecé a tocar cerca del 2008 o 2009, años en los que que más personas empezaron a escucharme, y en aquella época no había muchos saxofonistas que estuvieran tocándolo públicamente.

Es uno de los instrumentos que más me gusta tocar y sin duda es el que más me ayuda a componer, pero he tocado el saxofón alto desde que tenía nueve y el barítono y soprano desde los diez.

Las primeras iteraciones de la música que toco actualmente las compuse en el saxofón alto cuando tenía 18 o 19 años. Desde entonces me encantaba tocar los instrumentos bajos. Amaba tocar el saxofón barítono. Lo que más me atraía era la fisicalidad del instrumento, la profundidad de los tonos, así como el volumen. Todo eso me llevó al saxofón bajo. Quería explorar algo más grande y profundo, pero no lo pude hacer sino hasta después de la universidad porque me tomó mucho tiempo conseguir uno. Creo que fue hasta el 2007 cuando por fin logré comprar uno. Desde entonces he estado trabajando con él y es parte de toda la música que hago.

F: ¿Hubo algún momento en tu vida, alguna influencia o persona, que te haya llevado a dedicarte a hacer música o a hacer cosas creativas?

C.S: Hacer cosas creativas ha sido algo innato en mi vida. Siempre he pintado, esculpido y creado cosas. Fui muy afortunado de vivir en un hogar que lo promovía. Mis padres se aseguraron de darme todo el espacio y las herramientas necesarias para cultivar esas habilidades.

Desde que era pequeño el arte visual ha sido importante para mí, de hecho lo fue durante la preparatoria y hasta la universidad, pero no estudié artes visuales porque graduarte en dos disciplinas artísticas era algo imposible, sobre todo por la carga de trabajo que implicaba, así que me decidí por la música.

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F: Cuando estás escribiendo una canción o un álbum, ¿Cómo sabes cuando terminaste? ¿Cómo sabes que ya no tienes que agregar o quitar cosas?

C.S: La parte más importante del trabajo de un artista es saber cuando algo funciona y cuando no, pero sobre todo, ser honesto contigo mismo. Por ejemplo, actualmente estoy componiendo algo, y sé que no está terminado porque hay cosas que me distraen y me sacan del trance de trabajar en ello. Pero cuando hace clic, todo se alinea como si fuera el mecanismo dentro de un candado cuando entra una llave. Todo se ordena y se abre.

Por lo general no me cuestiono ese tipo de cosas. Cuando siento que algo ya está terminado, confío en que lo está.

F: Has colaborado con decenas de artistas, entre ellos está Tom Waits, Godspeed You! Black Emperor, Arcade Fire, Tim Hecker, por solo mencionar un par. Cuando trabajas para alguien más, ¿Qué tan difícil es encontrar tu voz dentro de los proyectos que no dependen de ti al 100%?

C.S: Depende mucho del proyecto y de cómo trabajan los artistas. Siempre que colaboro con alguien yo no soy el que produce o hace el mix del proyecto. Yo sólo escribo y toco las partes de viento. Yo no soy responsable de lo que pase con eso. El fruto del proyecto no depende de mí; no está en mis manos.

Por ejemplo, en el caso de Tim Hecker, el álbum No Highs lo trabajamos en mi estudio. Tim trajo una versión cruda de lo que iba a ser, con algunas estructuras. Hablamos previamente de lo que él quería lograr y después improvisamos, de hecho hay una gran cantidad de material de esas sesiones que no se usaron, pero todo fue trabajo de Tim y de su intuición.

Lo que hice con BadBadNotGood fue diferente. Estábamos en el estudio juntos y construimos canciones desde sus cimientos. Yo empezaba a tocar y ellos me empezaban a acompañar. En algún momento parábamos, nos reagrupábamos y empezábamos a escribir sobre lo que habíamos tocado previamente. Al final de esas sesiones, nos quedamos con dos canciones que escribimos espontáneamente.

Al final de cuentas, lo más importante de colaborar o trabajar con otro artista, es confiar en su visión.

F: Me imagino que pasa lo mismo cuando compones para películas, ¿Qué tan diferente es el colaborar con un director de cine a comparación con trabajar con otros músicos?

C.S: Creo que una de las razones por las que el trabajo musical en una película puede salir mal es cuando el director no confía en su compositor y quiere tener control de todos los detalles de su trabajo.

Los mejores directores con los que he trabajado confían en lo que hago. Discutimos los personajes, la historia y el arco del filme, para después platicar del objetivo de la música. Tiene que haber confianza en el compositor para construir eso. En mi caso, cuando digo que voy a hacer algo, lo describo de la mejor manera posible y empiezo a escribir. También hay que hacer concesiones. Nadie es infalible y mucho menos los compositores. Yo en particular soy muy protector de lo que escribo, entonces la relación con el director puede complicarse. A veces me sorprendo y no puedo entender por qué el director me pide cambiar algo, pero cuando veo el resultado final, siempre termino en asombro.

F: Tienes una proclividad por componer para películas de horror: Hereditary, The Menu y Texas Chainsaw Massacre pero ¿Es a propósito? ¿Es una decisión componer para filmes de este género?

C.S: No sé si haya sido una decisión proactiva de mi parte o si el horror me eligió a mí. Pero creo que hay algo en mi música que funciona muy bien como detonante de sensaciones extrañas, como lo puede ser la vulnerabilidad. Algo crudo y maleable, algo que permite a la gente sentir.

Siempre he intentado impregnar en mi música de esa sensación de vulnerabilidad. Quiero provocar una reacción honesta y visceral. Eso está en el corazón del horror, pero también creo que el horror es una versión exagerada de nuestros sentimientos primordiales.

Muchas de las películas, música e historias que el ser humano cuenta son una especie de “moda”, son productos que buscan llenar cajas de requisitos para provocar una reacción emocional. Muchas de ellas se han replicado incontables veces con pequeñas variantes. No tienen el objetivo de hacer que la audiencia se sienta incómoda ni mucho menos retar la manera en la que percibimos las cosas. No cuestionan nada.  El único incentivo para contar estas historias o replicar la misma música, es el dinero. Y no quiero decir que toda la música y el cine comercial sea malo, pero mucho de lo que yo he intentado hacer con mi música es encontrar nuevos caminos para hacer que la gente sienta algo distinto.

¿Por qué hice Hereditary? No es porque sea una película de horror. He rechazado muchísimas películas de horror. Hice la música de Hereditary porque es una gran historia y está contada de una manera impecable. El guión es lo más importante para mí. Si el guión de una película cuenta algo nuevo y lo hace de una manera emocionante, voy a aceptar hacer la música del filme. Si Hereditary hubiera sido un drama familiar o una comedia romántica, de igual manera hubiera hecho la música.

F: Cambiando de tema y hablando un poco acerca de tu nuevo álbum, The love it took to leave you, ¿Tiene un tema o una emoción impregnada con la que querías experimentar?

C.S: Sí, creo que es la contraparte emocional del álbum que lancé en el 2017, All This I Do For Glory. Hay un contraste muy marcado. Es un disco que describe la esencia de un personaje a través de nociones como el legado, propósito y la muerte. Mientras que el que saldrá en un par de semanas es más vengativo, tiene un espíritu más maligno. Hay una oscuridad muy marcada pero que también tiene elementos de amor que alcanzan una calma que contrasta.

F: ¿Cuál fue la primera canción que compusiste para este nuevo álbum?

C.S: La primera canción que escribí para este álbum se llama “Strike your forge in grin”.

F: ¿En dónde grabaste este nuevo álbum?

C.S: En una vieja fábrica de metal. Elegí ese lugar porque desde hace mucho quería grabar en un espacio grande y reverberante, y busqué muchos espacios en el mundo, pero al final lo encontré en Montreal.

El espacio tiene tres cámaras que conectamos sonoramente a través de un sistema de PA para que sonara como si estuviera tocando simultáneamente en cada una de ellas. En una sonaban mis micrófonos de voz, en otro las percusiones y en la tercera, mi saxofón. Había cerca de 32 micrófonos captando el sonido que hacía en diferentes posiciones. Y fue a través de este gran espacio y la posición de los micrófonos que obtuvimos sonidos distintos y emocionantes que nunca antes había podido captar. Todo lo grabamos en una semana.

F: Por último, quería conocer un poco acerca de la canción que se volvió viral en varias redes sociales, “The righteous wrath of an honorable man”. ¿Sientes que el uso y la interpretación que tantas personas le han dado tiene algún eco con la intención con la que la escribiste?

C.S: No lo sé. Escribí esa canción hace mucho tiempo. Creo que fue en 2009 o 2010. La escribí para mi padre. Mi objetivo era transmitir la expresión libre de nuestros más profundos deseos. También quería retratar el poder de los que no tienen poder, o la importancia de aquellos que no son importantes. No digo que mi padre fuera así, pero creo que puede tener diferentes interpretaciones. Es una canción acerca del envejecimiento, de tener historias que contar pero no tener a quién contarlas, de sentirte poderoso a pesar de ya no tener energía, de sentirse como un niño sin serlo.

Creo que hay algo de eco en cómo ha sido retratada en redes sociales, pero la verdad lo único que yo he visto son videos de gatos amenizados con mi canción.

The love it took to leave you estará disponible el 13 de septiembre.

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